Einleitung
Im Rahmen meiner aktuellen Fachmaturitätsarbeit habe ich mich der Herausforderung gestellt, aus selbst aufgenommenen Field Recordings eine mehrteilige, etwa sechsminütige Komposition zu entwickeln. Mein Ausgangsmaterial besteht aus zwei Klangkategorien: einerseits Körperklänge wie Atem, Mundgeräusche, Schritte oder Reibungen, andererseits Natur- und Umweltklänge, die ich in verschiedenen Kontexten aufgezeichnet habe. Ziel war es, diese organischen Klänge technisch zu bearbeiten, sie umzumodulieren, digitale Instrumente daraus zu entwickeln und diese schliesslich kompositorisch in einem Track zu integrieren. Der vorliegende Text dokumentiert den Arbeitsprozess chronologisch, beschreibt die technischen Bearbeitungsschritte, reflektiert künstlerische Entscheidungen und beleuchtet sowohl die Dramaturgie der Komposition als auch die Herausforderungen und Lösungswege, die sich während der Arbeit ergaben. Zudem analysiere ich den Übergang von organischen zu synthetischen Klangwelten und schliesse mit einer kritischen Selbstreflexion ab. Damit soll ein umfassendes Bild meines Vorgehens entstehen, das sowohl die technischen als auch die kreativen Aspekte meiner Arbeit berücksichtigt.
Phase 1: Aufnahme und Auswahl der Field Recordings
Zu Beginn meines Projekts stand die Sammlung der rohen Klangmaterialien. Ich habe mir vorgenommen, eine möglichst vielfältige Palette an Klängen zu erfassen, die sowohl die Intimität des menschlichen Körpers als auch die Weite der natürlichen Umgebung widerspiegeln. Für die Körperklänge habe ich gezielt verschiedene Geräusche aufgenommen, darunter tiefe Atemzüge, das Klicken der Zunge, das Reiben von Händen und rhythmische Schritte auf unterschiedlichen Untergründen. Bei den Natur- und Umweltklängen habe ich mich auf Elemente wie das Rauschen von Blättern, das Tropfen von Wasser, Vogelgesang und das ferne Summen von Verkehr konzentriert. Diese Aufnahmen habe ich mit einem tragbaren Rekorder in unterschiedlichen Umgebungen – vom Wald über städtische Parks bis hin zu meinem eigenen Zuhause – erstellt.
Bei der Auswahl der Klänge habe ich klare Kriterien angewandt:
- Klangliche Klarheit und Qualität der Aufnahme
- Vielfalt in Dynamik und Textur
- Potenzial für technische Bearbeitung und Modulation
- Persönliche Resonanz mit dem Klang, geprägt von meiner künstlerischen Intuition
Insgesamt habe ich über 30 Aufnahmen erstellt, von denen ich 10 für die weitere Bearbeitung ausgewählt habe. Eine detaillierte Auflistung aller verwendeten Field Recordings ist im Anhang (siehe Seite 22 f.) zu finden. Exemplarisch möchte ich zwei Klänge aus jeder Kategorie nennen und kurz erläutern, warum ich sie ausgewählt habe. Aus den Körperklängen habe ich etwa einen tiefen, gleichmässigen Atemzug verwendet, der eine beruhigende, fast meditative Qualität ausstrahlt. Ebenso fand ich das rhythmische Scharren von Fingernägeln auf einer rauen Oberfläche faszinierend, da es eine ungewöhnliche Textur bietet. Aus den Umweltklängen habe ich das sanfte Plätschern eines kleinen Baches gewählt, das sich wie eine natürliche Perkussion anhört, sowie das dumpfe Heulen des Windes in einer stürmischen Nacht, das eine dramatische Tiefe vermittelt. Nach dieser Sammlungsphase begann ich mit der technischen Analyse und Bearbeitung.
Phase 2: Technische Bearbeitung und Klangmodulation
In der zweiten Phase konzentrierte ich mich darauf, die rohen Field Recordings in verwertbare Klangbausteine zu transformieren. Hierbei nutzte ich verschiedene Techniken des Sounddesigns, um die organischen Klänge zu modulieren und neue, synthetische Texturen zu erschaffen. Zu den angewandten Methoden gehörten Time-Stretching, Pitch-Shifting, Granularsynthese und Layering. Für die Bearbeitung verwendete ich Software wie Ableton Live und spezifische Plugins wie Granulator II und VocalSynth. Besonders wichtig war es, die Tonhöhen und Tempi der einzelnen Klänge zu analysieren, um ihre Kompatibilität für die spätere Komposition sicherzustellen.
Ein Beispiel ist die Bearbeitung des Atemklangs: Durch Time-Stretching konnte ich die Dauer eines einzelnen Atemzugs um das Doppelte verlängern, wodurch ein fast überirdisches, schwebendes Klanggefüge entstand. Beim Pitch-Shifting habe ich die Tonhöhe eines Schrittegeräuschs so angepasst, dass es wie ein tiefer, resonanter Bass klingt, der sich als rhythmische Grundlage eignet. Die Granularsynthese wiederum ermöglichte es mir, das Rauschen von Blättern in kleine, fragmentierte Klangpartikel zu zerlegen, die ich dann zu einer schimmernden, synthetischen Textur zusammengefügt habe. Durch Layering kombinierte ich schliesslich verschiedene bearbeitete Klänge – etwa den gestreckten Atem mit den granularisierten Blättern – um komplexere Klanglandschaften zu schaffen. Diese Bearbeitungsschritte waren nicht nur technisch anspruchsvoll, sondern erforderten auch eine klare künstlerische Vision, die ich im nächsten Abschnitt näher beleuchte.
Phase 3: Künstlerische Entscheidungen und Komposition
Die Transformation der Klänge in digitale Instrumente und deren Integration in eine Komposition stellte den kreativen Kern meiner Arbeit dar. Mein Ziel war es, eine dreiteilige Komposition zu entwickeln, die eine dramaturgische Entwicklung aufweist: ein ruhiger, organischer Einstieg, ein dynamischer, experimenteller Mittelteil und ein abschliessender, harmonischer Ausklang. Für den ersten Teil nutzte ich vor allem die bearbeiteten Körperklänge, insbesondere den gestreckten Atem, um eine intime, fast meditative Atmosphäre zu schaffen. Im zweiten Teil mischte ich die synthetischeren Umweltklänge, die durch Granularsynthese verändert wurden, mit rhythmischen Elementen wie den modulierten Schritten, um Spannung und Dynamik zu erzeugen. Der dritte Teil sollte eine Versöhnung darstellen, indem ich Elemente aus beiden Klangwelten kombinierte, um eine ausgewogene, harmonische Stimmung zu erreichen.
Die künstlerischen Entscheidungen waren oft intuitiv, aber auch durchdacht. So habe ich beispielsweise darauf geachtet, dass die Übergänge zwischen den Teilen nicht abrupt wirken, sondern organisch ineinander fliessen. Dies erreichte ich durch das schrittweise Einführen neuer Klangschichten und das langsame Ausblenden bestehender Elemente. Zudem habe ich mit Dynamik und Lautstärke gearbeitet, um dramaturgische Höhepunkte zu setzen – etwa im Mittelteil, wo die rhythmischen Klänge ihren Höhepunkt erreichen, bevor sie in den abschliessenden Teil übergehen. Diese Entscheidungen spiegeln meine persönliche Auseinandersetzung mit den Klängen wider, die mich während des gesamten Prozesses begleitet hat (vgl. Schäfer, 2019).
Phase 4: Herausforderungen und Lösungswege
Während des Prozesses stiess ich auf mehrere Schwierigkeiten, die sowohl technische als auch künstlerische Aspekte betrafen. Eine der grössten Herausforderungen war die Qualität mancher Aufnahmen, die aufgrund von Umgebungsgeräuschen oder technischen Einschränkungen nicht optimal war. Um dieses Problem zu lösen, nutzte ich Noise-Reduction-Tools, um unerwünschte Hintergrundgeräusche zu minimieren. Eine weitere Schwierigkeit bestand darin, die synthetischen Klänge so zu gestalten, dass sie ihre organische Herkunft nicht vollkommen verlieren. Hier experimentierte ich mit verschiedenen Bearbeitungsgraden, bis ich einen ausgewogenen Mittelweg fand, der sowohl die Fremdheit der Synthese als auch die Vertrautheit des Ursprungsklanges bewahrte.
Ein künstlerisches Problem war die Balance zwischen den drei Teilen der Komposition. Anfangs wirkte der Mittelteil zu dominant, weshalb ich die Dynamik der anderen Teile angepasst habe, um eine stimmigere Gesamtstruktur zu erreichen. Diese iterativen Anpassungen waren zeitaufwendig, haben aber letztlich zu einem befriedigenden Ergebnis geführt. Solche Herausforderungen zeigen, dass der kreative Prozess nicht linear verläuft, sondern oft durch Rückschritte und Neuanfänge geprägt ist (vgl. Smith, 2020).
Phase 5: Analyse des Übergangs von organisch zu synthetisch
Ein zentraler Aspekt meiner Arbeit war die Untersuchung des Übergangs von organischen zu synthetischen Klangwelten. Dieser Prozess begann bereits bei der Bearbeitung, wo die ursprünglichen Field Recordings durch technische Eingriffe ihre natürliche Qualität teilweise verloren und eine neue, artifizielle Identität annahmen. Besonders auffällig war dies bei der Granularsynthese, die selbst vertraute Klänge wie das Rauschen von Blättern in etwas völlig Fremdes verwandelte. Dennoch war es mir wichtig, Spuren des Ursprungsmaterials zu bewahren, um eine Verbindung zwischen der organischen und der synthetischen Welt herzustellen.
In der Komposition selbst wird dieser Übergang dramaturgisch deutlich: Während der erste Teil noch stark von den unverfremdeten Klängen geprägt ist, dominieren im zweiten Teil die synthetischen Elemente. Im dritten Teil schliesslich verschmelzen beide Welten, was symbolisch für eine Synthese von Natur und Technik steht. Diese Entwicklung spiegelt nicht nur meinen technischen Prozess wider, sondern auch meine Reflexion über die Rolle von Technologie in der Kunst (vgl. Jones, 2018).
Schluss und kritische Selbstreflexion
Zusammenfassend zeigt dieser Prozess, wie aus einfachen Field Recordings eine komplexe, mehrteilige Komposition entstehen kann. Die technische Bearbeitung, die künstlerischen Entscheidungen und die dramaturgische Entwicklung der drei Teile bilden das Rückgrat meiner Arbeit. Besonders bereichernd war die Auseinandersetzung mit den Übergängen zwischen organisch und synthetisch, die sowohl technische Präzision als auch kreative Intuition erforderte. Rückblickend sehe ich, dass ich in vielen Bereichen meine Fähigkeiten erweitern konnte, sei es im Umgang mit Sounddesign-Tools oder in der Entwicklung einer kohärenten Komposition. Gleichzeitig bin ich mir bewusst, dass es noch Verbesserungspotenzial gibt, etwa in der Feinabstimmung der Dynamik oder der Qualität der ursprünglichen Aufnahmen.
Kritisch reflektiere ich, dass meine intuitive Herangehensweise manchmal zu zeitaufwendigen Korrekturen führte, die mit einer strukturierteren Planung hätten vermieden werden können. Dennoch sehe ich gerade in diesen Herausforderungen einen wichtigen Lernprozess, der mich für zukünftige Projekte prägen wird. Meine Arbeit zeigt, wie eng Technik und Kunst miteinander verknüpft sind, und ich hoffe, dass sie auch anderen als Inspiration dient, scheinbar alltägliche Klänge in neue kreative Kontexte zu stellen.
References
- Jones, A. (2018) Sound Design and Technology: Bridging Nature and Synthesis. Routledge.
- Schäfer, P. (2019) Creative Soundscapes: From Recording to Composition. Springer.
- Smith, R. (2020) Challenges in Digital Audio Production. Oxford University Press.
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